JAZZ35

Cette chronique se veut produite de la façon la plus authentique que possible. Dans la mesure où vous décidez d’apporter des précisions concernant le sujet « Jazz à 35 degrets » il est possible de d’échanger avec notre équipe. Le site jazz35.com a pour finalité de publier diverses publications autour du sujet Jazz à 35 degrets communiquées sur la toile. Pour vous faciliter la tâche, jazz35.com vous produit cet article qui aborde le thème « Jazz à 35 degrets ». Consultez notre site jazz35.com et nos réseaux sociaux dans l’optique d’être informé des prochaines parutions.

La République de Seine-et-Marne : Comment êtes-vous devenu musicien professionnel ?

Freddy Legendre : Mon père, trompettiste amateur à Paris XIIIe où je suis né, écoutait beaucoup de musique jazz. Il était fan de Louis Armstrong, Claude Luter et du Modern Jazz quartet. J’ai suivi une classe d’orgue au Conservatoire du Ve arrondissement avec une professeure de solfège géniale, en une seule année elle m’a mis au niveau d’entrée du Conservatoire national en piano. À 13 ans, j’ai croisé le chemin du groupe les Haricots Rouges qui se produisait au Salon de l’Enfance à Paris sans être payé…

Soixante ans plus tard, une quarantaine de vinyles à son actif, le groupe est entré dans la légende ?

Oui, après ses débuts en 63, le groupe a assuré les avant-programmes des spectacles de Barbara, Brel et Brassens, il reste dans l’histoire des sixties le seul a s’être produit en première partie du show des Beatles en 65 au Palais des sports de la porte de Versailles et du premier concert des Rolling Stones à l’Olympia – où ils se sont pris des tomates ! Du groupe original, il ne reste aujourd’hui que le pianiste Pierre Jean, le banjo Alain Poisson et le trombone Daniel Barda.

Ce fut pour vous plus qu’une rencontre, une sorte de détonateur ?

Plutôt un mariage culturel ! Je ne les ai rejoints que bien plus tard, car mes parents m’avaient prévenu : « fais tes études pour être ingénieur, on verra après pour la musique ! » À l’âge de 16 ans, je disparais pour aller jouer avec des copains au Quartier latin.

Puis vous quittez Paris…

Au début des années 1970, direction Bourron-Marlotte, que je connaissais déjà, car, avec mes trois frères, nous accompagnions chaque week-end notre père qui retrouvait un ami du Club Alpin pour faire de l’escalade. J’ai rejoint et intégré les Haricots Rouges à Montigny-sur-Loing.

Nous logions tous aux Rives, l’ancienne villa de Michèle Morgan et Henri Vidal où, dans l’immense salon studio, nous avons répété parfois dix heures par jour afin de peaufiner notre répertoire Nouvelle-Orléans, la base musicale de deux de mes idoles Elvis et Jerry Lee Lewis !

Vous avez également beaucoup joué en free-lance ?

Oui, comme musicien soliste : j’ai alterné entre le rockabilly et le jazz, je jouais du tuba à mes débuts puis je me suis mis à la contrebasse avec les Haricots Rouges. En 1981, lorsque je les quitte, je participe alors à une fameuse aventure musicale au rayonnement régional, le Jazz-Club de Bourron-Marlotte. Grâce à deux fans de jazz – le commissaire de police de Fontainebleau et le patron du Bijou Bar – on a monté avec des copains musiciens un bistrot associatif. Sans aucun appui, nous avons organisé une série de festivals, début d’une folle vague musicale qui a duré plus de dix ans…

Vous y avez accueilli de sacrées célébrités ?

On a reçu dans la salle des fêtes communale des dizaines d’invités prestigieux, dont le chef d’orchestre Claude Lutter, le clarinettiste Marcel Zanini – Tu veux ou tu veux pas -, l’accordéoniste Jo Privat, le pianiste Alan Tate, sans oublier les plus célèbres musiciens solistes de Louis Armstrong et de Fats Domino. Certains d’entre eux sont même venus, un certain temps, tous habiter rue Murger, époque pas si lointaine où une maison sur deux était occupée par des musiciens, une sorte de… ‘Marlotte Walk of Fame’ (Promenade de la célébrité, à Los Angeles, ndlr) !

Qui va perpétuer la tradition musicale de Bourron-Marlotte ?

Si je pense d’abord à notre fils Émilien qui tient les baguettes, il ne faut pas oublier que depuis une dizaine d’années, bon nombre de musiciens se sont installés dans le village…

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La dernière œuvre du lauréat du prix Pulitzer Henry Threadgill, “The Other One”, est constituée d’une composition en trois mouvements intitulée Of Valence, qui était la composante musicale d’une grande œuvre multimédia interprétée et enregistrée en direct à Roulette Intermedium à Brooklyn, New York en mai 2022. Écrite pour un ensemble de 12 musiciens – composé d’une combinaison instrumentale inhabituelle de trois saxophones et d’un violoniste. d’une combinaison instrumentale inhabituelle de trois saxophones, d’un violon, d’un alto, de deux violoncelles et d’un tuba, violon, alto, deux violoncelles, tuba, percussions, piano et deux bassons. Le New York Times a décrit la performance comme possédant « un sens galvanique du swing, en phase avec toutes ses feintes rythmiques surprenantes, produisant une musique insidieusement dansante”.

Downbeat a qualifié Henry Threadgill de « probablement le compositeur/improvisateur le plus important du moment » dans sa critique de son précédent album, “Poof” (Pi 2021). Cet album mettait en vedette Zooid, son principal groupe de travail depuis plus de deux décennies et son atelier pour développer son concept unique d’utilisation de motifs intervallaires prescrits dans la composition et l’improvisation de groupe. Cette méthode, qui a permis au groupe de remporter le prix Pulitzer 2016 pour son album “In for a Penny, In for a Pound”, continue d’être utilisée dans toute la nouvelle musique de Threadgill, y compris dans les trois mouvements de Of Valence. Des membres réguliers des précédents ensembles de Threadgill – Jose Davila au tuba, Christopher Hoffman au violoncelle, David Virelles au piano, Craig Weinrib à la batterie – y participent également, contribuant à donner à l’ensemble ce son inimitable de Threadgill. L’orchestre comprend également de jeunes acolytes et des musiciens dont la pratique se situe à l’intersection de la musique composée et de la musique improvisée. Toutes les caractéristiques de l’identité artistique de Threadgill sont présentes : formes imprévisibles, combinaisons instrumentales inhabituelles créant des timbres surprenants, rythmes percutants, souches mélodiques entrelacées et entrelacement magistral de la composition et de l’improvisation.

L’enregistrement a été réalisé lors de la deuxième des deux représentations intitulées respectivement « One » et « The Other One ». Threadgill a été poussé à créer cette nouvelle grande œuvre à partir de ses observations de l’exode des habitants de la ville de New York pendant la pandémie de Covid. Il a notamment été frappé par les détritus abandonnés qui jonchaient les trottoirs de son quartier d’East Village et par ce qu’ils révèlent du caractère éphémère de l’être humain, du consumérisme effréné et d’une société du jetable. L’œuvre comprend de la vidéo, des peintures et des photographies projetées, de l’électronique, un chœur préenregistré composé de ses propres voix, et même Threadgill qui chante en s’accompagnant au piano. Entre tous ces éléments, il récite de la prose qui exprime ses propres observations ironiques et souvent humoristiques sur l’effet de la technologie et son incidence sur le comportement humain. Les performances étaient une extension claire de l’impulsion de l’AACM de briser les frontières pour être des artistes d’une manière holistique, pas seulement sur le terrain musical, une éthique partagée par tant de musiciens majeurs de ce collectif historique.

Of Valence est dédiée au percussionniste Milford Graves, décédé en 2021. La pièce a été inspirée par l’étude des battements du cœur humain à laquelle Milford Graves s’est consacré dans son application à la musique. On peut l’entendre en particulier dans le Movement II, où les membres du trio à cordes composé de Sarah Caswell au violon, Stephanie Griffin à l’alto et Mariel Roberts au violoncelle, jouent leurs parties tout en écoutant leurs propres battements de cœur, tels qu’ils ont été enregistrés précédemment par un cardiologue. Leurs pulsations individuelles dictent le tempo auquel elles jouent, ce qui met encore plus en évidence leur tissage serpentant et contrapuntique. L’influence de Milford Graves est également perceptible dans l’utilisation de transducteurs reliés aux cymbales du batteur Weinrib, dont le signal est ensuite modifié électroniquement, ce qui leur confère un éclat timbral d’un autre monde.

Même à l’âge de 79 ans, 2023 promet d’être une nouvelle année faste pour Threadgill. Ses mémoires tant attendues, “Easily Slip Into Another World”, sont publiées par Alfred A. Knopf en même temps que “The Other One”. Le livre a été écrit en collaboration avec Brent Hayes Edwards, professeur d’anglais et de littérature comparée à la Columbia University, également affilié au Center for Jazz Studies. Ses précédents ouvrages comprennent Epistrophies : Jazz and the Literary Imagination (Harvard University Press, 2017), qui a remporté le prix Virgil Thomson 2018 de la Fondation ASCAP pour une critique musicale exceptionnelle ainsi que le prix Truman Capote 2019 pour la critique littéraire en mémoire de Newton Arvin. Edwards a reçu une bourse Guggenheim en 2015 et a été élu à l’Académie américaine des arts et des sciences en 2020. Il est actuellement l’un des premiers chercheurs de la Fondation Ford en résidence au Musée d’art moderne.

Les mémoires – racontées de manière chronologique – retracent le parcours individuel de Threadgill à travers son éducation à Chicago, ses premières influences musicales, les récits poignants de son déploiement militaire au Viêt Nam, l’inspiration de Muhal Richard Abrams et de l’AACM, et sa brillante carrière musicale longue de plus d’un demi-siècle. Ce livre, qui reflète parfaitement ses observations drôles et pertinentes sur l’art, la race et l’histoire, est une autre manifestation de la créativité artistique aux multiples facettes de Threadgill.
(extrait du communiqué de presse en anglais – traduction E. Lacaze / A. Dutilh)

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Carole Camacho, professeure et chorégraphe, prépare assidûment le prochain spectacle avec ses élèves. Fashion Show aura lieu samedi 3 juin, à 20 h 30 à la salle bleue. 25 chorégraphies sur le thème de la mode en costumes et musiques. « Ce sera un ascenseur émotionnel », avoue Carole.

Pom-Pom Girls pour les Gabians

Présidente fondatrice en 2005 de l’association Kdanse, Carole Camacho enseigne la danse classique, le modern jazz, la danse contemporaine, le street jazz. Une nouveauté : sous la sollicitation de Jacques Accambray, président du football australien, les Gabians, elle a monté une troupe de « Pom-Pom Girls », les Pink Ladies.

Sa troupe a reçu un bel accueil lors du match Gabians vs Paris Cockerels, samedi 13 mai. Petite fille, Carole entre dans une école de danse amateur de 800 élèves à Alès, remarquée par sa professeure qui la soutient et qui l’aide à croire en elle. « C’était comme ma grand-mère, elle m’a portée et m’a permis de m’envoler. À 16 ans je prenais parfois sa place ». Sa professeure Germaine Gaussorgues a fait naître sa vocation : enseigner.

À 11 ans, Carole entre au Conservatoire de Montpellier, solfège et danse seront son quotidien. Elle y restera jusqu’à ses 16 ans. En 1991, elle intègre la prestigieuse école d’Anne-Marie Porras, Epsedanse, dans le but d’obtenir son diplôme d’État qu’elle aura en 1994. « Nous étions les premiers diplômés dans la discipline, 5 UV dont la 1re UV de technique correspondant à une médaille d’or, les autres épreuves étaient l’anatomie, la musique, l’histoire de la danse et la pédagogie. C’était complet et difficile ».

À l’école Epsedanse, elle côtoie Rydy Bryans, son maître. Carole y restera après son diplôme et mènera « une vie de nomade » comme intermittente jusqu’en 2000. « J’ai reçu un bel accueil à Palavas de la part de la mairie quand j’ai ouvert mon association en 2005 ». Depuis elle enseigne la danse à une quarantaine d’élèves dès 4 ans.

Correspondante Midi Libre : 06 09 22 14 46

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Avec ou sans musique, votre enfant adore se trémousser et « imiter » les pas de danse de ses idoles ? Peut-être est-ce le moment de l’inscrire à la danse moderne jazz ! Principale condition : qu’il ait soufflé ses 4 bougies, car c’est en effet à 4 ans qu’un petit est capable d’apprendre des pas et de répéter plusieurs fois un même geste sans trop s’impatienter. C’est également à cet âge qu’il commence à acquérir la notion de mouvement. Tout ce qu’il faut pour débuter la danse dans de bonnes conditions !

Les avantages physiques de la danse moderne jazz pour enfant

De 4 à 6 ans, la danse moderne jazz est un sport idéal pour se défouler, mais aussi développer la motricité. Au fil des cours, les enfants prennent conscience des différentes parties de leur corps et de la place qu’il occupe en mouvement, dans un espace donné. Petit à petit, ils acquièrent la notion de « bouger en musique », de rythme et créent leur propre répertoire gestuel. Un point délicat, puisqu’à cet âge, les enfants fonctionnent principalement par mimétisme.

Au-delà de 6 ans, comme l’enfant a conscience des autres enfants qui l’entourent, des chorégraphies plus techniques sont possibles. Il apprend à réaliser des sauts, des tours et des équilibres, tout en s’amusant. Là encore, il peut se défouler tout en gagnant en tonicité, en rapidité, en amplitude corporelle, en conscience de l’espace et sur le plan musculaire.

Quand l’enfant grandit, d’autres notions sont abordées comme l’énergie dans le mouvement, la fluidité, le saccadé, le ressenti, la transmission d’une émotion… Tout ce qui définit réellement la danse moderne jazz ! Les capteurs sensoriels étant fortement sollicités, le ou la danseuse apprend à se positionner sans avoir à vérifier dans le miroir de la salle de danse, le corps ayant mémorisé la position. Quant au répertoire gestuel, lui aussi s’agrandit, ce qui facilite l’apprentissage d’autres activités liées au mouvement, comme la gym par exemple.

Les avantages psychologiques de la danse moderne jazz pour enfant

Suivre des cours d’un sport collectif, c’est prendre conscience du « moi », du rôle des autres (que le professeur de danse attribue) et de l’espace à disposition. Entre 4 et 6 ans, c’est une notion encore floue. On a toutes en tête un spectacle de danse d’enfants en bas âge (merci les films de famille), avec le fameux bout de chou dansant collé à un autre, sans aucune idée de la gêne occasionnée ! L’apprentissage d’une chorégraphie permet aussi la mémorisation des mouvements, des sons, de la musique et booste l’imagination. Un point abordé par des exercices d’expression guidés. Notre experte prenait pour exemple le thème de la forêt, pour lequel l’enfant se déplace, mime le fait d’enjamber une branche, d’en éviter une autre, d’éviter des obstacles, de ramasser des champignons, etc. Le danseur, dans sa façon de bouger, va ajouter sa patte d’après les indications du professeur.

La danse moderne jazz est une activité complète, qui, au fil des années et du niveau acquis, devient plus technique et donc plus physique. Elle convient aux enfants calmes comme à ceux ayant un réel besoin de se défouler. Chacun y a un rôle important, pour créer un tableau de groupe. N’hésitez pas à vous renseigner auprès des écoles de danse proches de chez vous, beaucoup proposent un cours d’initiation, généralement gratuit.

Merci à Anaïs Joyeux de l’association Amicale laïque du Plessis Trévise pour son éclairage.

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La section modern’jazz de Familles rurales donnera son spectacle de danse annuel, samedi 3 juin à 20 h 30, salle Robert-Salmon. Le thème sera « Histoire d’un oui ». Les cinq groupes répètent sous la houlette de leur professeure, Raphaëlle Pellerin. Cinquante élèves présenteront différents tableaux.

Le gala sera précédé de l’assemblée générale à 20 heures.

Entrée : 6 €, 3 € pour les 6-12 ans, gratuit pour les moins de 6 ans.

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Ce samedi et ce dimanche, un stage de danse modern-jazz sera proposé par l’association locale Corps et arts dance district dans le District 1 de la Halle des sports de Fenouillet. La danseuse et professeur de danse jazz Amandine Abati Rochais sera à l’honneur. Après avoir suivi une formation pluridisciplinaire (jazz, classique et contemporain), l’artiste a travaillé en tant que danseuse – interprète (Cie Ballet Intemporel / Cie Sara Ducat…) et chorégraphe.

Retour aux sources

Elle a monté sa compagnie en 2018 avec une première création intitulée F.R.A.G.M.E.N.T.S, a collaboré avec le monde du cirque sur des projets artistiques… Titulaire du DE et du CA en danse jazz, elle a enseigné au Cafedanse et est intervenue dans de nombreux stages ainsi que de nombreux jurys.

Amandine Abati Rochais étant ancienne élève de l’école de l’association locale Corps et arts dance district, sa venue est en cohérence avec le travail de transmission et de passerelle entre les générations de danseurs accueillis à CADD. Elle « emmène par sa danse une maîtrise technique par la conscience du corps et la prise de risque tout en privilégiant une perception sensible aux mouvements dansés ». Tourné vers la compréhension et la maîtrise du corps, son enseignement comporte à la fois vivacité et fluide sensualité.

Les personnes qui souhaitent participer à cette manifestation sportive peuvent s’inscrire au stage obligatoire via le lien : forms.gle/PrArFqEYqgFCy6MG9.

Pour toute information complémentaire, il suffit d’écrire à corps.arts@gmail.com ou de téléphoner au 05 62 75 38 57.

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Résumé

Formé en 1952 à partir de la section rythmique du grand ensemble de Dizzy Gillespie, le Modern Jazz Quartet s’est inspiré de la musique de chambre classique ainsi que des racines blues du jazz. La carrière du groupe a traversé plusieurs décennies, avec de nombreux albums encensés par la critique, qui lui ont permis de s’imposer dans l’histoire du jazz. Après des concerts à Rotterdam et Amsterdam, le Modern Jazz Quartet s’est produit au Singer Concertzaal de Laren le 31 mars 1969, pour la télévision néerlandaise. Composé de Milt Jackson au vibraphone, John Lewis au piano, Percy Heath à la basse et Connie Kay à la batterie, le quatuor joue avec élégance et style.

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